ARTSphera.com.ua продажа и покупка произведений искусства картин работ мастеров
Русский Украинский Английский Немецкий Французский
Ви вошли на сайт, как гость!
Логин:
Забыли пароль?
Пароль:
Зарегистрироваться
Запомнить
Зарегистрировано: [1933] мастера,   [177] посетителей.
Опубликовано:   [31550] работ.      
Онлайн:
RSS feed
Поиск по:

Последние новости

Брюс Альтшулер. Авангард на выставках. Новое искусство в ХХ веке
Битва за Леонардо
Статья о научном эксперименте по воздействию картин Влами
Влами. Выставка-продажа  картин  
Главой Международной ассоциации биеннале станет Шейха Хур Аль Касими

Последние статьи

5 причин, почему на День влюбленных дарят картины
 Алексей Шинкаренко: «Наше визуальное наследие не структурировано»
Как нарисовать Дедушку Мороза карандашом поэтапно. Уроки рисования
Неоклассицизм в живописи
«Возвращение блудного сына» картина Рембрандта

Вид искусства

Живопись(21573)
Другое(3097)
Графика(2914)
Архитектура(1772)
Вышивка(1037)
Скульптура(615)
Дерево(439)
Куклы(302)
Компьютерная графика(278)
Художественное фото(269)
Дизайн интерьера(241)
Народное искусство(187)
Церковное искусство(175)
Бижутерия(119)
Текстиль (батик)(107)
Керамика(105)
Витражи(103)
Аэрография(74)
Ювелирное искусство(66)
Фреска, мозаика(64)
Дизайн одежды(60)
Стекло(56)
Графический дизайн(38)
Декорации(26)
Лоскутная картина(14)
Флордизайн(9)
Пэчворк(4)
Бодиарт(3)
Плакат(2)
Ленд-арт(2)
Театр. костюмы(0)

День рождения

Rederik Rurikovith
Rodolfo Fernandez Alvarez
Svetlana Boreiko Yurievna
Алла Рыбакова Александровна
Евгений Суржан Анатольевич
Ирина Ерофеева Владимировна
Роман Пчела Владимирович
Татьяна Угленко Александровна
Юрий КОСАГОВСКИЙ

Полезные ссылки

Ежевика - товары для рукоделия

Облако тегов

Система Orphus


Написал статью: Opanasenko

Методы преподавания рисования в Древней Греции


Достижения египетских художников в области обучения изобразительному искусству, естественно, интересовали и греческих художников. Они внимательно изучали методы построения изображения и те каноны, которые во многом облегчали работу начинающего художника. Об этом пишет Диодор Сицилийский, рассказавший о двух братьях — Телеклесе и Теодоре из Самоса, которые изучали в Египте способ измерения человеческого тела и метод ваяния. Живя в разных городах, рассказывает Диодор, они взялись выполнить статую Аполлона Пифнйского и, независимо друг от друга, изготовили каждый свою половину работы, и притом так искусно, что обе половины точно сошлись между собой.

Греческие художники многое позаимствовали у египтян и в области методики обучения рисунку — например метод рисования заостренной палочкой по не очень твердой гладкой доске. Правда, глиняную поверхность они заменили восковой, но принцип нанесения изображения на плоскость оставался тот же: при изучении пропорциональных закономерностей строения человеческой фигуры — математический расчет.

 

Однако, знакомясь с методами преподавания искусства в Древнем Египте, греки подошли по-новому к проблеме обучения и воспитания. Они призывали молодых художников внимательно изучать жизнь, находить в ней прекрасное и утверждали, что самым прекрасным в жизни является человек — женщина с красивыми формами тела, мужчина с развитыми мускулами. Для греков прекрасным стала земная жизнь, а не загробный мир. Изучая природу, наблюдая красоту обнаженного человеческого тела, они находили в нем так много прелести и гармонии,что не случайно и богов стали изображать по образу и подобию людей. Зевс — мудрый старец, Афина — греческая женщина, Аполлон — красивый молодой человек.

В Древнем Египте обожествляли растения и животных: богиня Хатор — смоковница, бог Нефертум — цветок лотоса, бог Гора — сокол, бог Тот — ибис, бог Собек — крокодил, богиня города Бубастиса — кошка, бог Мемфиса — бык и т. д. Боги с человеческими телами и с фантастическими головами (рис. 15) помнились в Египте значительно позже.

Рис. 15. Древнеегипетские боги: Амон-Ра, Тот, Хонсу, Хатор, Атум, Маат, Анубис, Геб, Нейт и другие.

Древнеегипетские боги: Амон-Ра, Тот, Хонсу, Хатор, Атум, Маат, Анубис, Геб, Нейт

Греки представляли себе загробный мир как земной, их боги подобны людям. Им свойственны человеческие мысли, действия и даже недостатки, все то, что присуще человеку. Ставя во главу изобразительного искусства образ человека, греческие художники наблюдали и изучали человеческое тело во всех его деталях. Используя традицию построения изображения человеческой фигуры по канонам, греческие художники выдвинули новую проблему в искусстве и удачно решили ее в своих трудах.

В 432 году до н. э. в Снкноне скульптор Поликлет написал сочинение о про норциональной соразмерности частей человеческого тела. Поликлет установил новые пропорциональные членения человеческой фигуры и впервые в истории изобразительного искусства разрешил проблему «contraposto» — то есть внутреннюю подвижность стоящей фигуры, с упором на одну ногу (рис. 16). Благодаря решению этой проблемы изображение человека стало реальным, оно вышло из той скованности и окаменелости, в которой находилось тысячелетия. Фигура человека стала изображаться очень естественно и жизненно. К сожалению, о содержании теоретического труда Поликлета мы знаем лишь очень немногое по выдержкам из сочинений древних писателей и предположениям ученых.

Рис. 16. Поликлет. Дорифор. Мрамор. V век до н. э. Неаполитанский музей.

Поликлет и Дорифор

Для иллюстрации своих теоретических доказательств Поликлет вылепил статую Дорифора — копьеносца, которая служила образцом. Плиний в «Естественной истории» писал, что из этой статуи художники извлекали, как будто из книги, твердые правила и законы, и таким образом Поликлет в этом произведении оставил последующим художникам как бы учебник своего искусства. О методах обучения художников этой эпохи мы узнаем лишь из теоретических трудов более поздней эпохи — из сочинений Плиния, Павзания, Витрувпя и других; на основе изучения сохранившихся произведений скульптуры, вазовых росписей, а также по копиям с произведений античных художников (помпейские росписи).

Приступая к анализу истории методов обучения изобразительному искусству в Древней Греции, насколько это возможно сделать по имеющимся сведениям, необходимо вспомнить прежде всего имя прекрасного рисовальщика Полигнота. В Афинах, где ему были дарованы права гражданства, он стал при Кимоне во главе кружка художников. Здесь он и развернул свою педагогическую деятельность. Он призывал учеников стремиться к реальности изображения, передавать в рисунке природу так, как видит ее художник в жизни. Владея лишь средствами линейного рисунка (Полигнот еще не владел светотенью), он тем не менее стремился передавать даже фактуру предметов.

Плиний передает, что «Полигнот Фазосский, который нарисовал женщин в просвечивающей одежде, прикрыл головы их пестрыми чепцами и первый внес в живопись очень много нового, коль скоро начал открывать рот, показывать зубы и вместо прежнего неподвижного выражения лица давать разнообразие». Аристотель отмечал и указывал, что Полигнот идеально передавал форму человеческого тела, он по-настоящему развил культуру линейного рисунка, научил уважать линию и передавать ею движение и жизнь человеческих фигур. «Сколько разнообразия и сколько красоты в картине фазосского художника!» — восклицает Павзаний.

Настоящая же революция в области рисования и методах обучения приписывается Аполлодору (около V века до н. э.), которого Плиний относит к светочам искусства. Аполлодор Афинский считается первым скиографом, то есть тенеписцем, и вместе с тем первым станковым живописцем, введшим в технику живописи смешивание красок между собой и их градации сообразно свету и тени. Заслуга Аполлодора заключается в том, что он первый стал моделировать объем формы в рисунке, тоном. До Аполлодора художники Греции изображали форму предметов одними линиями, они не представляли себе, как можно иначе изобразить на плоскости форму предметов. Теперь современному художнику тональная моделировка формы кажется обычным делом, но было время, когда светотень в рисунке, создававшая иллюзию реального объема, почиталась за чудо.

 

Это были принципиально новые положения не только в практике изобразительного искусства, но и в методике его преподавания. Появилась необходимость в совершенно иных методах обучения. Передача формы, объема на плоскости требовала своей теории, своей методики, особых приемов работы. Являясь замечательным художником, Аполлодор в то же время был и прекрасным педагогом. Достаточно отметить, что учеником Аполлодора был прославленный живописец древности Зевксис, которого сам Аполлодор в одной из сочиненных им эпиграмм назвал «похитителем своего искусства».

Зевксис (420-380 гг. до н. э.) был родом из Гераклеи, учился у Аполлодора в Афинах, а затем открыл свою школу в Эфесе. У Зевксиса было много учеников и последователей. Желая помочь ученикам понять прекрасное в жизни и в искусстве, Зевксис, как и все художники Древней Греции, старался найти и установить идеал и канон красоты на основе изучения натуры. О том, как Зевксис создавал образ красивейшей женщины Греции, нам повествует Плиний. Он рассказывает, что Елену для кротонцев Зевксис написал не с одной натурщицы, а с нескольких. Кротонцы прислали Зевксису красивейших девушек своего города, чтобы он выбрал себе из них наилучшую для натуры. Художник отобрал пять красивейших натурщиц и, списывая то с одной, то с другой наиболее прекрасные формы, создал столь идеальный образ женщины, что «взглянуть на него было неземным наслаждением».

Много усовершенствований внес Зевксис в методику построения изображения формы предметов средствами светотени. Л. Б. Альберти писал о нем: «...говорят, что Зевксис, древнейший и известнейший живописец, почитался как бы главой всех остальных в познании свойств светов и теней и что подобная слава была уделом немногих». Благодаря глубокому знанию законов природы, техники и технологии изобразительного искусства Зевксис приобрел великую славу. За свои картины он получал огромные деньги и накопил колоссальное состояние. Под конец жизни он даже перестал работать за деньги и дарил свои произведения царям и городам, заявляя, что его картины превосходят всякую цену. Он вел роскошную жизнь и показывался в публичных местах в золоте и пурпуре. Несмотря на это, как художник и педагог Зевксис был очень требователен и к ученикам, и к самому себе. «Передают, что и впоследствии Зевксис нарисовал мальчика, несущего виноград; к винограду подлетели птицы, и Зевксис, рассердившись на свою картину, обнаружил то же самое благородство, заявляя: «Виноград я нарисовал лучше, чем мальчика, потому что, если бы я и мальчика нарисовал вполне удачно, птицы должны были бы его бояться».

Как мы видим, греческие художники стремились к реальности изображения, они старались изобразить реальный мир как можно точнее, доходя до иллюзорности. Все это нашло свое отражение и в методике обучения. Натура являлась источником знаний, а следовательно, в основу метода преподавания было положено рисование с натуры.

Вместе с Зевкспсом продолжал развивать принципы реалистического искусства другой замечательный художник того времени — Паррасий. Плиний Старший писал о нем: «Паррасий родился в Эфесе и сам многое внес в область своего искусства. Он первый придал живописи симметрию, первый стал передавать игру лица, изящество волос, красоту лица, по признанию художников, достигши первенства в контурах. В этом заключается высшая тонкость живописи». Уметь хорошо передавать «игру лица», «достигнуть первенства в контурах» — это прежде всего в совершенстве владеть рисунком, а для овладения таким рисунком нужна основательная школа. Все это говорит о том, что методика обучения рисунку в то время была поставлена на должную высоту. Об этом свидетельствуют и данные археологических раскопок (1968-1969 гг.) близ Пестума, где впервые были обнаружены образцы живописи древнегреческих мастеров. Хотя Посейдония (Пестум) была и далекой провинцией, и работали там второстепенные мастера, но рисунком они владели прекрасно.

Об этом убедительно говорит метод работы художника над композицией, когда он без особого труда перекомпоновывает первоначальный сюжет и создает новый рисунок. «Композиция росписей нередко намечалась по нескольку раз — об этом можно судить, изучая фрески при боковом освещении. Сюжеты росписей разнообразны: вереницы всадников, поединки кулачных бойцов или греческих пехотинцев-гоплитов, сцены охоты на оленя, изображения быков, грифонов и фантастических птиц».

Развитие и совершенствование мастерства, а вместе с тем и методов преподавания всегда требовали общения и соревнования между художниками-педагогами. О таком общении и товарищеском соперничестве между Зевксисом и Паррасием Плиний писал: «Про Паррасня передают, будто он вступил в состязание с Зевксисом. Зевксис принес картину, на которой виноград был нарисован так удачно, что подлетали птицы. Паррасий же принес полотнище, нарисованное так правдоподобно, что Зевкспс, гордясь этим приговором птиц, стал требовать, чтобы полотнище было убрало и чтобы была показана сама картина, а затем понял свою ошибку и под влиянием благородного стыда уступил пальму первенства Паррасию, так как сам он обманул птиц, а Паррасий его самого, художника». Данные исторические сведения нас интересуют не в смысле их достоверности или анекдотичности, а со стороны характеристики общего направления изобразительного искусства, развития методов преподавания. Рассказы Плиния о древних художниках, несмотря на их анекдотичность, очень красочно характеризуют стиль и направление изобразительного искусства того времени.

 

Как передают историки, Паррасий пользовался большим авторитетом среди коллег и как художник, и как ученый-теоретик. Он разработал канон пропорций человеческого тела, которым пользовались многие его ученики и последователи; написал специальный трактат о рисунке, в котором особое внимание уделил линии. При обучении рисунку Паррасий требовал прежде всего обратить внимание ученика на роль и значение линии как основного средства выражения формы на плоскости. Раскрывая специфику линейного рисунка, как ее трактовал Паррасий, Плиний писал: «...ведь рисовать тела и их поверхности трудно, но многие в этом достигли славы, зато рисовать одни только очертания тел и ограничивать пределы оканчивающегося рисунка редко кому удается. Ведь контур должен состоять только из своей линии и так обрываться, чтобы намекать на то, что за ним находится, и указывать на то, что скрыто».

Это уже яркая характеристика теоретических основ методики обучения рисунку, которым должны были следовать учителя и начинающие художники. Видимо, здесь Паррасий раскрывал методическую последовательность построения изображения, которая в его законченных произведениях становилась незаметной, но которая была необходима начинающим художникам. Об этом в свое время писали Антигон и Ксенократ, анализировавшие его произведения, об этом не случайно упоминает и историк Плиний: «В его картинах и бумагах видны многие следы грифеля, которые, как говорят, очень полезны художникам».

Хотя и трудно дать серьезный научный анализ методики обучения рисованию в Древней Греции по отрывочным сведениям древних писателей, но все же какая-то доля истины содержится и в них, и мы можем сделать по ним определенные заключения.

Совершенно бесспорно, что при рисовании соблюдались ясность и четкость изображения предмета. Линия в рисунке играла первостепенную роль. При изображении предмета художник должен был четкими, без лишних штрихов и росчерков, линиями наметить форму предмета. А это можно было сделать только в результате многолетней школьной выучки. Мало того, что греческие художники владели высокой техникой рисунка, они прекрасно знали форму и строение человеческого тела. Об этом убедительно свидетельствуют произведения вазовой живописи, скульптуры и копии с произведений греческих художников, выполненные римскими живописцами.

Изображая форму предметов, как это явствует из сведений древних писателей, греческие художники не ограничивались только линейными изображениями, но наглядно и убедительно передавали средствами светотени (тона) объем и фактуру предметов. Для иллюстрации приведем выдержки из описания картин Филострата-старшего. Описывая картину «Пиндар», Филострат дает о ней яркое представление: «Думаю, ты удивляешься, почему эти пчелы здесь нарисованы с такой точностью? Ты видишь ясно их хоботок, лапки, крылья, цвет их тельца; и это все нарисовано не мимоходом, не кое-как, ибо разнообразием красок картона передает все так, как бывает в природе».

Давая описание другой картины, Филострат отмечает: «Удивительно хорошо удалось художнику нарисовать до мелочей точно паука, передать всю раскраску его точками, как в природе, все его шелковистое тельце, такое злое и дикое. Только хороший мастер, искусный в передаче реальности, так может писать. Сверх того он изобразил и тонкие нити его паутины. Смотри! Вот эту толстую нить паук приделал к углу квадратом, как канат у станка, а к этому шнуру прилажена тонкая ткань; она состоит из нитей, идущих во много рядов, закругленных как на гончарном станке».

Таким образом, мы можем сделать вывод, что греческие художники стремились к реальности изображения, часто доходя до иллюзорности, как, например, виноград Зевксиса, соты, пчелы, паук, описанные Филостратом. Отсюда ясно, что для приобретения навыков подобного мастерства нужна была хорошая школа рисунка, рисунок был основой изображения.

К IV веку до н. э. в Греции существовало уже несколько прославленных школ рисунка: сикионская, эфесская и фиванская.

Фиванская школа, основателем которой был Аристид, или Никомах, большое значение придавала «светотеневым эффектам, передаче жизненных ощущений и иллюзии». Эфесская школа, зачинателем которой считается Эфранор из Коринфа, а по другим источникам — Зевксис, основывалась на «чувственном восприятии природы и на внешней красоте». Эта школа стремилась к иллюзии, но была небезукоризненна в рисунке. Сикионская школа, основанная Эвпомпом, базировалась на научных данных естествознания и строго придерживалась законов природы. В этой школе требовалась «величайшая точность и строгость рисунка».

 

Сикионская школа оказала большое влияние на методику преподавания рисования и на дальнейшее развитие изобразительного искусства. Эта школа придерживалась научного метода обучения, она стремилась приблизить ученика к природе, научить его чтить закономерности строения природы, воспитывала у ученика любовь к изучению красот природы. В результате всего этого сикионская школа рисунка давала очень высокую профессиональную подготовку молодым художникам. Из сикионской школы вышли такие прославленные художники, как Памфил, Мелантий, Павзий и великий Апеллес.

Говоря о сикионской школе, необходимо, прежде всего, сказать об основателе этой школы — Эвпомпе (400-375 гг. до н. э.). Эвпомп был прекрасным педагогом и очень хорошим живописцем. Особое же место в истории изобразительного искусства Эвпомп занимает как выдающийся представитель художественной педагогики.

Эвпомп впервые обратил серьезное внимание на научную основу изобразительного искусства, положив рисунок во главу угла своей школы. Стараясь ввести в искусство научные принципы и стремясь к величайшей точности рисунка, Эвпомп подошел по-новому и к методу обучения. Отличие этого метода от метода преподавания рисования в других школах состояло в том, что Эвпомп призывал своих учеников изучать природу, изучать закономерности природы на основе науки, главным образом математики. Плиний писал: «Значение Эвпомпа в живописи было так велико, что из-за него внесено было новое деление живописи: до него она делилась на живопись Эллады и Азии, а из-за этого уроженца Сикиона живопись Эллады в свою очередь была разделена и получилось три школы: Ионийская, Сикионская, Аттическая».

Наиболее выдающейся личностью сикионской школы и ее фактическим главой был Памфил — ученик и последователь Эвпомпа. Памфил был очень образованным человеком и блистательным художником. Плиний писал о нем: «Сам Памфил родом был македонянин, но он первый вступил в область живописи, обладая всесторонним образованием, особенно же знанием арифметики и геометрии; без их знания, по его словам, нельзя было достичь совершенства в области искусства».

При обучении рисованию художников-профессионалов Памфил особенно большое внимание уделял научному обоснованию каждого положения изобразительного искусства, и в частности математической закономерности. Сам Памфил был большой знаток математики и много работал в области геометрии, так как эта наука помогает развитию пространственного мышления и облегчает процесс построения изображения на плоскости. На дверях сикионской школы рисунка, говорит Плиний, было написано: «Сюда не допускаются люди, не знающие геометрии».

Как мы видим, у Памфила была особая система обучения рисунку, которая обосновывалась строгими научными положениями. Чтобы овладеть этой системой, а также всеми научно-теоретическими и практическими положениями искусства, требовалось большое количество времени. Поэтому курс обучения у Памфила продолжался 12 лет. За обучение он брал довольно большую плату — один талант (26,156 килограмма) золота. «Никого он не учил дешевле одного таланта, и эту плату ему уплатили и Апеллес, и Мелантий».

Как говорят историки, Памфил был крупным теоретиком, однако мы ничего не знаем о его теоретических трудах; были ли это теоретические труды в области только изобразительного искусства или были среди них и труды в области теории преподавания — методики. Продолжателями дела Памфила были его ученики — Мелантий и Апеллес. Они продолжали развивать дальше его методические положения и принципы искусства, методические приемы обучения рисунку. Самой крупной фигурой сикионской школы, да и всего античного искусства был Апеллес (356-308 гг. до н. э.). Этот художник достиг наивысшей славы среди всех художников древности, впоследствии его имя стало нарицательным среди художников и теоретиков искусства.

Первоначальное художественное образование Апеллес получил в эфесской школе. Первым учителем его был Эфон Эфесский. Затем Апеллес перешел в сикионскую школу к Памфилу, где очень скоро превзошел своего учителя. Вскоре он и сам стал заниматься педагогической деятельностью. О педагогической деятельности Апеллеса известно следующее. Обучение он начинал с технологических и технических процессов. Ученики учились растирать краски, знакомились с техникой работы и основательно изучали рисунок. Рисунок был главным учебным предметом, им занимались ежедневно. У Апеллеса было правило — «ни одного дня без линии». Он считал, что «в живописи, как и в музыке, постоянное занятие необходимо». С учениками Апеллес был прост, но очень требователен.

Высокие требования Апеллес предъявлял не только к ученикам, но и к самому себе. Плиний писал, что «он выставлял свои законченные картины на балконе напоказ прохожим и, прячась за картиной, слушал, какие недостатки отмечались».

 

В основу своего творчества Апеллес клал точный рисунок, который обеспечивал реальность изображения. Многочисленные описания картин Апеллеса говорят об исключительной выразительности и реальности изображений. Однако его произведения не являлись результатом лишь точного изображения натуры. Апеллес не срисовывал всех мельчайших деталей, не воспроизводил на картине предмет с натуралистической точностью, а передавал лишь самые характерные признаки натуры. Плиний указывает: «Присвоил он себе славу и в другом отношении: восхищаясь картиной Протогена, стоившей ему громадного труда и выполненной со слишком боязливой рачительностью, Апеллес заметил, что Протоген во всем ему равен, но в одном он превосходит Протогена, а именно в умении вовремя прекратить работу над картиной; тем самым дал достопамятный урок, что часто чрезмерная тщательность бывает во вред».

Все основные положения изобразительного искусства Апеллес старался закрепить в своих теоретических трудах, дать им научное обоснование. Как утверждают историки, им было написано несколько томов о правилах искусства. Одно из сочинений об искусстве Апеллес посвятил своему ученику Персею. К сожалению, о содержании этих трудов ничего не известно.

Апеллес был художником широкого диапазона — писал исторические картины, натюрморты и портреты. Особенно часто он изображал Александра Македонского и его полководцев. Эти портреты были настолько великолепны, что Александр Македонский однажды сказал: «Есть в мире два великих Александра — один непобедимый, сын Филиппа, другой неповторимый, сын Апеллеса».

В портретах Апеллес достигал поразительного сходства. Плутарх рассказывает, что Кассандр, один из полководцев Александра, затрясся всем телом, увидев изображение царя Александра. Как художник Апеллес обладал феноменальной зрительной памятью. Плиний рассказывает, что однажды Апеллесу пришлось быть в Александрии и завистники художника подговорили царского шута пригласить Апеллеса на пир к Птолемею. Когда Апеллес явился, Птолемей страшно разгневался и стал спрашивать, кто его пригласил. Чтобы точно указать виновного, Апеллес выхватил из печки уголь и на стене набросал портрет, по которому Птолемей узнал лицо своего шута.

Насколько достоверно это событие и происходило ли оно именно так, как поведал Плиний, — не важно. Важнее другое: этот факт говорит о том, что в методах овладения изобразительным искусством рисунок по памяти играл у Апеллеса не последнюю роль и что он, видимо, входил в систему обучения молодых художников.

К IV веку до н. э. греческое искусство достигает высокой ступени развития. Художники уже научились передавать на плоскости не только объем (трехмерность) предметов, но и явления перспективы. Более того, они начинают разрабатывать теорию перспективы применительно к задачам изобразительного искусства. Так, живописец Агафарх, сын Эвдема, из Самоса написал сочинение по перспективе для театральных художников-декораторов. К этому его побудил Эсхил, которому Агафарх помогал оформлять сцены для спектакля. Известно также, что в IV веке до н. э. большим успехом у современников пользовался художник Перейка. Он писал картины, изображающие цирюльни, сапожные мастерские, лавки съестных припасов, то есть изображал интерьеры. Вполне естественно, что построение изображения интерьера требовало применения законов перспективы.

Умение греческих художников пользоваться правилами перспективного построения позволяло справляться со сложной задачей изображения в ракурсе. Плиний рассказывает, что Павзий написал быка мордой к зрителю, а не сбоку, и тем не менее размеры быка вполне обнаружены.

Однако не следует думать, что у греков была теория перспективы, сходная с нашей, основателем которой был Филиппе Брунеллески, поставивший во главу перспективного единства три основных правила центрального изображения: главную точку схода, горизонт и расстояние. Следует думать, что у греков существовала особая теория перспективы — «стереоперспектива», которая позволяла создавать иллюзию подлинного пространства и объема. Если верить рассказам Плиния и других историков о выразительности произведении греческих художников, то передача формы предметов была «натуральной», то есть предмет на изображении выглядел так, как его видит человек двумя глазами. Кроме того, известно, что для передачи реального пространства и объема не обязательно соблюдать единую точку схода и линию горизонта.

В XI веке польский математик Вителло перевел с арабского на латинский язык сочинение по перспективе Альгазена (980-1038), которое снабдил многочисленными прибавлениями. В этих прибавлениях Вителло спорит с бытовавшей тогда идеей единой точки схода, из чего можно предположить, что он что-то знал о теории перспективы греческих художников. Изображения на помпейских фресках (в основном копии с произведений греческих художников) указывают на то, что греки пользовались особыми правилами перспективы. Анализ этих фресок показывает, что основой перспективного построения изображения является центральная ось, на которой располагаются точки схода, линий горизонта здесь несколько.

Однако это не случайность и не ошибка художника — каждая пара уходящих в глубину линий строго согласована. Этот же принцип мы наблюдаем и при изображении многофигурных композиций. Ярким примером может служить стенная роспись, найденная на Палатинском холме в Риме. Не вдаваясь в дальнейшие подробности, надо отметить, что греческие художники при построении реалистического изображения на плоскости пользовались определенными законами перспективы и благодаря этому добивались желаемого результата. Их произведения для того времени были достаточно реальны. Выразительность фрески «Альдобрандинская свадьба» в Ватикане (рис. 18) говорит о многом. Но если учесть, что эти произведения намного слабее тех, что были созданы великими мастерами Эллады, и живопись была на такой же высоте, как и скульптура, то можно не сомневаться — творения греческих мастеров были прекрасны.

Рис. 18. Альдобрандинская свадьба. Деталь стенной живописи.

Альдобрандинская свадьба

Обучаясь рисованию с натуры, греческие художники изучали и анатомию. Об этом наглядно свидетельствуют копии с античных скульптур, на это указывают исследователи данного вопроса. Кроме того, нам известно, что Герофич из Халцедона и Епазистрат из Кеоса, изучая анатомию, рассекали трупы и даже живые тела преступников.

По сохранившимся копиям с произведений скульпторов Древней Греции мы воочию убеждаемся, что греческие скульпторы воспроизводили тело с исключительной анатомической точностью. В произведениях этих художников оно передано так верно, что даже самый строгий современный критик не сможет найти в них малейшую неточность. Все мускулы не только правильно моделированы на своих местах, но и, более того, формы одного и того же мускула различно подчеркнуты на правой и левой стороне тела, в зависимости от характера движения и напряжения. Все это говорит о том, что греческие художники создавали свои произведения не на одном только вдохновении и наблюдении природы, а на основе серьезного изучения натуры.

 

Итак, говоря о постановке преподавания рисования в Древней Греции, необходимо отметить, что греческие художники серьезно поставили дело преподавания, они призывали учеников изучать искусство на основе данных науки. В своих методических положениях они указывали, что художник в своей творческой работе должен отдавать преимущество знанию, рассудку, а не порывам вдохновения. В этом отношении весьма показательны рассуждения Платона. В своих «Законах» он писал: «Существуют две музы, которые хотят и могут обе нравиться; однако совершенно различны. Муза мудрости имеет то преимущество, что делает своих учеников лучшими; обыкновенная же муза портит их. Художник должен следовать за первой и закрывать уши от соблазнов другой».

Говоря о методах обучения рисованию в Древней Греции, необходимо несколько слов сказать и о технике рисунка. Рисовали в Греции преимущественно на деревянных буковых дощечках и реже — на папирусе. Буковые доски приготовлялись двумя способами: для рисования стилусами — заостренными металлическими или костяными палочками (рис. 19) — доски покрывались слоем воска, иногда воск подкрашивался каким-нибудь цветом; для рисования краской и кистью буковая дощечка грунтовалась специальным левкасом белого цвета — излюбленный метод работы афинской школы. Такие доски применялись главным образом для ученических работ, для набросков и предварительных эскизов. Затем, когда рисунок был надлежащим образом уточнен, художник его перерисовывал на папирус или прямо на стену для фрески, или на керамическую вазу.

Рис. 19. Стилус — рисовальная палочка.

Стилус - рисовальная палочка

В качестве рисовальных материалов греческие художники употребляли стилус, уголь, грифель, кисть и земляные краски.

Ученики рисовали в основном на буковых дощечках, покрытых воском. На таких досках рисовальщик металлической пли костяной палочкой выцарапывал рисунок (абрис) какой-нибудь фигуры. Гели рисунок получался неверный, его заминали пальцем — разравнивали восковую поверхность — и наносили новый. Говоря о художественных школах Древней Греции, не следует их понимать в современном смысле этого слова. Художественная школа древнего мира была частной мастерской — студией, куда прием был очень ограничен. Эти школы напоминают по своему принципу частные мастерские художников Возрождения (боттеги), где ученики являлись помощниками и подмастерьями у своих учителей. Об этом сегодня наглядно свидетельствуют фрески гробниц в Пестуме: «На всех фресках центральное изображение окружено обрамлением, которое выполнялось, очевидно, учеником или помощником художника (кстати сказать, довольно небрежно)».

Подводя итоги вышеизложенному, необходимо отметить следующее: изобразительное искусство античного мира по сравнению с египетским обогатилось новыми принципами и методами построения изображения, а вместе с тем и новыми методами обучения. Греческие художники впервые в истории развития учебного рисунка ввели в употребление светотень и дали образцы перспективного построения изображения на плоскости, заложив основы реалистического рисования с натуры.

Греческие художники-педагоги установили правильный метод обучения рисованию, в основе которого лежало рисование с натуры. Впервые у греков рисование как учебный предмет получает нужное направление. Особого внимания в этом отношении заслуживает сикионская школа рисунка и ее фактический глава — Памфил, благодаря которому рисование стало рассматриваться как общеобразовательный предмет и было введено во всех общеобразовательных школах Греции. Заслуга Памфила состоит в том, что он первый понял, что в задачу обучения рисованию входит не только копирование предметов реальной действительности, но и познание закономерностей природы. Он первый понял, что рисование развивает пространственное мышление и образное представление, которые необходимы людям всех профессий. После Памфила это стали понимать и все передовые мыслители Греции; они осознали, что обучение искусствам способствует всестороннему развитию человека.

 

Эпоха античной Греции была самой блестящей эпохой в истории развития изобразительного искусства древнего мира. Значение греческого изобразительного искусства чрезвычайно велико. Здесь был заложен метод научного понимания искусства. Греческие художники-педагоги призывали своих учеников и последователей непосредственно изучать природу, наблюдать ее красоту, указывали, в чем она заключается. По их мнению, красота заключалась в правильной пропорциональной соразмерности частей, совершенным образцом которой является человеческая фигура. Они говорили, что пропорциональная закономерность человеческого тела в своем единстве создает гармонию красоты. Главный принцип софистов гласил: «Человек — мера всех вещей». Это положение легло в основу всего искусства Древней Греции.

Великие зодчие, устанавливая пропорции колонны и капители, исходили из пропорциональной закономерности частей человеческого тела. Этот метод расчета пропорций архитектурных деталей, в основе которого лежало эстетическое начало, в дальнейшем, в эпоху Возрождения стали применять и художники флорентийской школы.

Античная культура дорога нам прежде всего тем, что заложила основы для дальнейшего развития пауки и искусства: в искусстве был указан путь к реализму, а в науке — к материалистическому мировоззрению. Античная культура восхищала и вдохновляла художников эпохи Возрождения, ей поклонялись и брали ее за образец основоположники всех Академий, она помогала в научных исследованиях многим ученым, ее воспевали в стихах поэты.



ВВЕРХ

meta.ua Яндекс.Метрика
Image Slider

(c) Дизайн-група "Dolphins"